D'Cuba Jazz
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Sábado, 21 de Agosto, 2021
Jarrett, un niño prodigio del piano dotado de un tono perfecto, nació en
Allentown, Pensilvania en 1945. Comenzó a tocar el piano a la edad de
tres años, luego apareció en un programa de talentos de televisión un
año después y dio su primer concierto a los siete años. . En su
adolescencia, Jarrett asistió a la prestigiosa Escuela de Música Berklee
de Boston antes de mudarse a Nueva York en 1965, donde el baterista Art
Blakey lo reclutó para la silla de piano vacante en su famoso grupo de
hard bop, The Jazz Messengers. Un año después, en 1966, el año en que
Jarrett hizo su primer disco en solitario, el pianista se unió al
innovador cuarteto del saxofonista Charles Lloyd, y en 1970, tocó el
órgano eléctrico con *Miles Davis*‘banda que rompe fronteras
avant-jazz-rock.
Recibe las últimas noticias de jazz directamente en tu bandeja de entrada.
En 1971, Jarrett inició una asociación de toda su carrera con *ECM*,
sello del productor Manfred Eicher con sede en Munich. Cuatro años más
tarde, Jarrett se convirtió en una superestrella del jazz con el
lanzamiento de *Concierto de Colonia*, el álbum de jazz en solitario más
exitoso en términos de ventas. Mientras Jarrett continuó tocando
conciertos en solitario, también dirigió simultáneamente dos cuartetos
diferentes pero igualmente notables durante los años 70; el vanguardista
«American Quartet» y un grupo menos estrafalario compuesto por músicos
escandinavos apodado el «European Quartet».
Dado el amplio alcance de su talento e intereses musicales, Jarrett
también se aventuró del jazz al mundo de la música clásica, escribió
obras orquestales y actuó en una variedad de escenarios diferentes. En
1983, el pianista armó el Standards Trio, dedicado a reinterpretar el
repertorio del Great American Songbook. El grupo fue prolífico y
duradero, produciendo algunas de las obras más satisfactorias de Jarrett
durante sus 26 años de vida.
Para un artista como Jarrett, seleccionar 20 de sus mejores piezas no es
tarea fácil. Aunque es un consumado multiinstrumentista, su instrumento
característico es el pianoforte. Para la introducción que sigue, hemos
decidido centrarnos exclusivamente en su excepcional trabajo con el
teclado.
Los conciertos en solitario
El lugar más apropiado para comenzar nuestro viaje son sus famosos
recitales en solitario, comenzando con una selección de The Köln Concert
de 1975, una de las mejores piezas de Keith Jarrett. La actuación de 66
minutos fue un triunfo sobre la adversidad. Jarrett, fatigado por los
viajes y la falta de sueño, odiaba el sonido del piano menos que
perfecto de la sala de conciertos y tocó el concierto mientras usaba un
aparato ortopédico para la espalda. Al final, el doble LP resultante
capturó al pianista en su momento más melifluo. La interpretación es
fascinante de principio a fin, pero la apertura y la improvisación más
larga, «Parte 1», es mágica en la forma en que la música comienza
tentativamente y se despliega gradualmente para crear un tapiz de sonido
ricamente bordado.
Para algunos devotos de Jarrett, los Conciertos en solitario de 1973:
Bremen / Lausanne, un conjunto de 3 LP grabado en Alemania y Suiza,
representa el pináculo de su trabajo improvisado. Está mejor
representado en el lado de apertura, “Bremen, 12 de julio de 1973 – Pt.
1 ”, que mezcla el romanticismo agridulce de *Bill Evans* con la precisa
claridad melódica de Ahmad Jamal (ambos pianistas influyeron
profundamente en Jarrett).
Podría decirse que más hermosa es «Kyoto Part 1», una improvisación de
43 minutos que comienza como un luminoso nocturno y abrió los conciertos
Sun Bear de Jarrett, una caja de 10 LP que narra la gira japonesa del
pianista en 1976 (en ese momento era muy inusual para que un sello
discográfico grabe y publique una gira completa, pero ilustra aún más la
dedicación de ECM a Jarrett, así como la versatilidad de Jarrett de una
noche a otra).
En un escenario en vivo, la presencia de una audiencia pareció impulsar
a Jarrett a un estado orgásmico de éxtasis. A menudo acompañaba su juego
con gritos y gemidos de éxtasis. Y, sin embargo, una audiencia no
siempre fue el catalizador necesario para despertar la inspiración de
Jarrett, como lo demostró la oferta en solitario de estudio de 1977,
Staircase. El álbum doble contenía cuatro improvisaciones temáticas de
varias partes, de las cuales «Sand: Part 2» mostraba sus límpidas líneas
de la mano derecha en cascada sobre una línea de bajo ostinato agitada
en una expresión convincente de impulsos creativos convirtiéndose en una
realidad musical.
No todas las improvisaciones en vivo de Jarrett fueron piezas épicas,
como el conciso “Heartland” de los LP Concerts de 1981; un himnario
majestuoso y sincero que canaliza las cadencias exultantes de la música
gospel.
En sus últimos años, los conciertos en solitario de Jarrett a menudo se
configuraban en suites de varias partes y mostraban un lado más oscuro,
pero no menos convincente, de influencia clásica en su música. La “Parte
1” de La Fenice de 2006, grabada en Venecia, es una matriz densa y
arremolinada de intrincado contrapunto salpicado de inquietantes notas
disonantes.
El cuarteto americano
Mientras su notoriedad como pianista solista estaba floreciendo a
principios de los 70, Keith Jarrett dirigió una banda compuesta por
músicos mayores: el saxofonista Dewey Redman, el bajista Charlie Haden y
el baterista Paul Motian. Apodado el «American Quartet», para
distinguirlo de un cuarteto europeo con el que Jarrett grabó durante el
mismo período en ECM, el grupo estaba en forma electrizante en el
brillante álbum doble de 1972 Expectations, cuya mejor pieza fue el
funky, impulsado por la percusión » Mamá común «.
Después de esto, el cuarteto firmó con el sello estadounidense de jazz
Impulse! Entre 1973 y 1976, editaron ocho álbumes variados que
produjeron algunas de las músicas más aventureras de la carrera del
pianista. “The Rich (And The Poor)”, de Treasure Island de 1974, es una
de las melodías más accesibles del grupo, impulsada por el piano con
inflexión gospel de Jarrett sobre un adictivo ritmo de medio tiempo.
También llama la atención la canción principal de Treasure Island, donde
el guitarrista Sam Brown reemplaza a Redman en una alegre combinación de
sabores de jazz y rock.
Una de las mejores actuaciones del American Quartet es «De Drums», del
álbum en vivo de 1973, Fort Yawuh. Es un ritmo modal alegre y simple con
toques de música gospel en su ADN. En agudo contraste, hay una
intensidad más profunda en la solemnidad inicial de «Everything That
Lives, Laments». Liderado por el agudo saxo tenor de Redman, le sigue un
elocuente solo de bajo de Haden antes de que Jarrett produzca un pasaje
en solitario brillante de sublime improvisación.
Tanto “Rainbow” (de Byablue de 1977) como “Bop-Be” (la melodía principal
del LP del cuarteto de 1978) destacan el lado más accesible del grupo,
así como su interacción intuitiva. En ambas pistas, la ausencia de Dewey
Redman reduce al grupo a un trío con Jarrett produciendo una corriente
de líneas melódicas exquisitamente fluidas sobre las resacas sutilmente
oscilantes de Haden y Motian. (La asociación musical de Jarrett con
Haden continuó en la década de 2010; grabaron Jasmine y Last Dance, dos
álbumes sublimes de estándares configurados como dúos íntimos de piano y
bajo).
El cuarteto europeo
Combinando su piano con el talento de dos músicos noruegos – el
saxofonista Jan Garbarek y el baterista Jon Christensen – y el bajista
sueco Palle Danielsson, Jarrett dejó una impresión indeleble con los dos
álbumes de estudio, su corte “European Quartet” para ECM; Belonging de
1974 y My Song de 1978. El álbum anterior incluía una de las canciones
más famosas de Jarrett, «‘Long As You Know You’re Living Yours». Es una
amalgama contagiosa de tropos de blues y gospel sobre un latido de fondo
con los quejumbrosos gritos de saxofón de Garbarek (la canción fue más
tarde la inspiración para el tema de 1980 del grupo de jazz-rock Steely
Dan, “Gaucho”). El inquietante saxofón del noruego también ilumina “The
Wind Up”, una pista más urgente impulsada por el febril piano de Jarrett.
Otra pieza esencial de Jarrett es la dolorosamente hermosa “My Song” del
cuarteto, del álbum de 1978 con el mismo nombre. Destacó la predilección
del pianista por crear baladas pastorales agridulces con melodías
memorables, mientras que el episodio «The Journey Home» mostró la
habilidad narrativa única de Jarrett como músico. El European Quartet
también fue un acto en vivo convincente, ejemplificado por la eufórica y
carnavalesca «New Dance» del álbum en concierto, Nude Ants, que resume
la sinergia del grupo en el escenario.
El trío de estándares
A finales de la década de los setenta, tanto los cuartetos
estadounidenses como los europeos se habían disuelto. Pero en 1983,
Jarrett se asoció con el baterista Jack DeJohnette (con quien
previamente había tocado en las bandas de Charles Lloyd y Miles Davis) y
el bajista Gary Peacock para formar una nueva banda. Apodado «The
Standards Trio», el grupo funcionó de 1983 a 2009 y publicó 21 álbumes
dedicados al Great American Songbook. Tanto en el escenario como en el
estudio, los tres músicos parecían poseer una telepatía musical similar
a la ESP, que es evidente en una interpretación radical de «God Bless
The Child» de la cantante Billie Holiday (del LP homónimo de 1983 del
grupo) y una reestructuración asombrosa. del clásico de bebop de Dizzy
Gillespie «Groovin ‘High» del álbum en vivo de 2000, Whisper Not.
Como todas las leyendas del piano que han adornado las páginas de la
historia del jazz, Keith Jarrett es mucho más que un técnico habilidoso;
tiene esa rara habilidad de conjurar magia auditiva combinando su
virtuosismo con sinceridad emocional y un instinto narrativo que
resuena. Es el sello distintivo de todos los grandes músicos y se puede
sentir profundamente en estas piezas.
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DE INTERES: Las mejores piezas de Keith Jarrett: 20 elementos esenciales de post-bop
NOTICIAS
DE INTERES: Las mejores piezas de Keith Jarrett: 20 elementos esenciales de post-bop
Fecha: 2021.02.26
Fuente: Ezanime.net
Jarrett, un niño prodigio del piano dotado de un tono perfecto, nació en
Allentown, Pensilvania en 1945. Comenzó a tocar el piano a la edad de
tres años, luego apareció en un programa de talentos de televisión un
año después y dio su primer concierto a los siete años. . En su
adolescencia, Jarrett asistió a la prestigiosa Escuela de Música Berklee
de Boston antes de mudarse a Nueva York en 1965, donde el baterista Art
Blakey lo reclutó para la silla de piano vacante en su famoso grupo de
hard bop, The Jazz Messengers. Un año después, en 1966, el año en que
Jarrett hizo su primer disco en solitario, el pianista se unió al
innovador cuarteto del saxofonista Charles Lloyd, y en 1970, tocó el
órgano eléctrico con *Miles Davis*‘banda que rompe fronteras
avant-jazz-rock.
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En 1971, Jarrett inició una asociación de toda su carrera con *ECM*,
sello del productor Manfred Eicher con sede en Munich. Cuatro años más
tarde, Jarrett se convirtió en una superestrella del jazz con el
lanzamiento de *Concierto de Colonia*, el álbum de jazz en solitario más
exitoso en términos de ventas. Mientras Jarrett continuó tocando
conciertos en solitario, también dirigió simultáneamente dos cuartetos
diferentes pero igualmente notables durante los años 70; el vanguardista
«American Quartet» y un grupo menos estrafalario compuesto por músicos
escandinavos apodado el «European Quartet».
Dado el amplio alcance de su talento e intereses musicales, Jarrett
también se aventuró del jazz al mundo de la música clásica, escribió
obras orquestales y actuó en una variedad de escenarios diferentes. En
1983, el pianista armó el Standards Trio, dedicado a reinterpretar el
repertorio del Great American Songbook. El grupo fue prolífico y
duradero, produciendo algunas de las obras más satisfactorias de Jarrett
durante sus 26 años de vida.
Para un artista como Jarrett, seleccionar 20 de sus mejores piezas no es
tarea fácil. Aunque es un consumado multiinstrumentista, su instrumento
característico es el pianoforte. Para la introducción que sigue, hemos
decidido centrarnos exclusivamente en su excepcional trabajo con el
teclado.
Los conciertos en solitario
El lugar más apropiado para comenzar nuestro viaje son sus famosos
recitales en solitario, comenzando con una selección de The Köln Concert
de 1975, una de las mejores piezas de Keith Jarrett. La actuación de 66
minutos fue un triunfo sobre la adversidad. Jarrett, fatigado por los
viajes y la falta de sueño, odiaba el sonido del piano menos que
perfecto de la sala de conciertos y tocó el concierto mientras usaba un
aparato ortopédico para la espalda. Al final, el doble LP resultante
capturó al pianista en su momento más melifluo. La interpretación es
fascinante de principio a fin, pero la apertura y la improvisación más
larga, «Parte 1», es mágica en la forma en que la música comienza
tentativamente y se despliega gradualmente para crear un tapiz de sonido
ricamente bordado.
Para algunos devotos de Jarrett, los Conciertos en solitario de 1973:
Bremen / Lausanne, un conjunto de 3 LP grabado en Alemania y Suiza,
representa el pináculo de su trabajo improvisado. Está mejor
representado en el lado de apertura, “Bremen, 12 de julio de 1973 – Pt.
1 ”, que mezcla el romanticismo agridulce de *Bill Evans* con la precisa
claridad melódica de Ahmad Jamal (ambos pianistas influyeron
profundamente en Jarrett).
Podría decirse que más hermosa es «Kyoto Part 1», una improvisación de
43 minutos que comienza como un luminoso nocturno y abrió los conciertos
Sun Bear de Jarrett, una caja de 10 LP que narra la gira japonesa del
pianista en 1976 (en ese momento era muy inusual para que un sello
discográfico grabe y publique una gira completa, pero ilustra aún más la
dedicación de ECM a Jarrett, así como la versatilidad de Jarrett de una
noche a otra).
En un escenario en vivo, la presencia de una audiencia pareció impulsar
a Jarrett a un estado orgásmico de éxtasis. A menudo acompañaba su juego
con gritos y gemidos de éxtasis. Y, sin embargo, una audiencia no
siempre fue el catalizador necesario para despertar la inspiración de
Jarrett, como lo demostró la oferta en solitario de estudio de 1977,
Staircase. El álbum doble contenía cuatro improvisaciones temáticas de
varias partes, de las cuales «Sand: Part 2» mostraba sus límpidas líneas
de la mano derecha en cascada sobre una línea de bajo ostinato agitada
en una expresión convincente de impulsos creativos convirtiéndose en una
realidad musical.
No todas las improvisaciones en vivo de Jarrett fueron piezas épicas,
como el conciso “Heartland” de los LP Concerts de 1981; un himnario
majestuoso y sincero que canaliza las cadencias exultantes de la música
gospel.
En sus últimos años, los conciertos en solitario de Jarrett a menudo se
configuraban en suites de varias partes y mostraban un lado más oscuro,
pero no menos convincente, de influencia clásica en su música. La “Parte
1” de La Fenice de 2006, grabada en Venecia, es una matriz densa y
arremolinada de intrincado contrapunto salpicado de inquietantes notas
disonantes.
El cuarteto americano
Mientras su notoriedad como pianista solista estaba floreciendo a
principios de los 70, Keith Jarrett dirigió una banda compuesta por
músicos mayores: el saxofonista Dewey Redman, el bajista Charlie Haden y
el baterista Paul Motian. Apodado el «American Quartet», para
distinguirlo de un cuarteto europeo con el que Jarrett grabó durante el
mismo período en ECM, el grupo estaba en forma electrizante en el
brillante álbum doble de 1972 Expectations, cuya mejor pieza fue el
funky, impulsado por la percusión » Mamá común «.
Después de esto, el cuarteto firmó con el sello estadounidense de jazz
Impulse! Entre 1973 y 1976, editaron ocho álbumes variados que
produjeron algunas de las músicas más aventureras de la carrera del
pianista. “The Rich (And The Poor)”, de Treasure Island de 1974, es una
de las melodías más accesibles del grupo, impulsada por el piano con
inflexión gospel de Jarrett sobre un adictivo ritmo de medio tiempo.
También llama la atención la canción principal de Treasure Island, donde
el guitarrista Sam Brown reemplaza a Redman en una alegre combinación de
sabores de jazz y rock.
Una de las mejores actuaciones del American Quartet es «De Drums», del
álbum en vivo de 1973, Fort Yawuh. Es un ritmo modal alegre y simple con
toques de música gospel en su ADN. En agudo contraste, hay una
intensidad más profunda en la solemnidad inicial de «Everything That
Lives, Laments». Liderado por el agudo saxo tenor de Redman, le sigue un
elocuente solo de bajo de Haden antes de que Jarrett produzca un pasaje
en solitario brillante de sublime improvisación.
Tanto “Rainbow” (de Byablue de 1977) como “Bop-Be” (la melodía principal
del LP del cuarteto de 1978) destacan el lado más accesible del grupo,
así como su interacción intuitiva. En ambas pistas, la ausencia de Dewey
Redman reduce al grupo a un trío con Jarrett produciendo una corriente
de líneas melódicas exquisitamente fluidas sobre las resacas sutilmente
oscilantes de Haden y Motian. (La asociación musical de Jarrett con
Haden continuó en la década de 2010; grabaron Jasmine y Last Dance, dos
álbumes sublimes de estándares configurados como dúos íntimos de piano y
bajo).
El cuarteto europeo
Combinando su piano con el talento de dos músicos noruegos – el
saxofonista Jan Garbarek y el baterista Jon Christensen – y el bajista
sueco Palle Danielsson, Jarrett dejó una impresión indeleble con los dos
álbumes de estudio, su corte “European Quartet” para ECM; Belonging de
1974 y My Song de 1978. El álbum anterior incluía una de las canciones
más famosas de Jarrett, «‘Long As You Know You’re Living Yours». Es una
amalgama contagiosa de tropos de blues y gospel sobre un latido de fondo
con los quejumbrosos gritos de saxofón de Garbarek (la canción fue más
tarde la inspiración para el tema de 1980 del grupo de jazz-rock Steely
Dan, “Gaucho”). El inquietante saxofón del noruego también ilumina “The
Wind Up”, una pista más urgente impulsada por el febril piano de Jarrett.
Otra pieza esencial de Jarrett es la dolorosamente hermosa “My Song” del
cuarteto, del álbum de 1978 con el mismo nombre. Destacó la predilección
del pianista por crear baladas pastorales agridulces con melodías
memorables, mientras que el episodio «The Journey Home» mostró la
habilidad narrativa única de Jarrett como músico. El European Quartet
también fue un acto en vivo convincente, ejemplificado por la eufórica y
carnavalesca «New Dance» del álbum en concierto, Nude Ants, que resume
la sinergia del grupo en el escenario.
El trío de estándares
A finales de la década de los setenta, tanto los cuartetos
estadounidenses como los europeos se habían disuelto. Pero en 1983,
Jarrett se asoció con el baterista Jack DeJohnette (con quien
previamente había tocado en las bandas de Charles Lloyd y Miles Davis) y
el bajista Gary Peacock para formar una nueva banda. Apodado «The
Standards Trio», el grupo funcionó de 1983 a 2009 y publicó 21 álbumes
dedicados al Great American Songbook. Tanto en el escenario como en el
estudio, los tres músicos parecían poseer una telepatía musical similar
a la ESP, que es evidente en una interpretación radical de «God Bless
The Child» de la cantante Billie Holiday (del LP homónimo de 1983 del
grupo) y una reestructuración asombrosa. del clásico de bebop de Dizzy
Gillespie «Groovin ‘High» del álbum en vivo de 2000, Whisper Not.
Como todas las leyendas del piano que han adornado las páginas de la
historia del jazz, Keith Jarrett es mucho más que un técnico habilidoso;
tiene esa rara habilidad de conjurar magia auditiva combinando su
virtuosismo con sinceridad emocional y un instinto narrativo que
resuena. Es el sello distintivo de todos los grandes músicos y se puede
sentir profundamente en estas piezas.
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